首先衷心感谢学校领导给予我本次外出学习的宝贵机会，为期一个月的学习，我受益匪浅。学习期间，我的素描作业作为全班三幅优秀作业之一以及论文刊登在第一期美术报上，同时得到了国美老师的肯定和鼓励。现将我的学习心得及收获做一汇报，希望大家批评指正。谢谢！     由《美术报》为平台发起的全国“考艺”名师培训班在中国美院继续教育学院培训中心正式“开学”。这个班汇集了来自北京、上海、黑龙江、河南、吉林等全国十多个省份的美术特色高中以及社会培训机构的二十余位美术老师。平日里，我们担当着为怀抱艺术理想的美术考生传道授业解惑的重任，当一年一度的美术专业考试落下帷幕，艺考生正在积极准备文化课考试的时候，我们开始了为自己“充电”的日子。     《美术报》首届“考艺”名师培训班是针对老师业务学养深造的高级别的研究班；授课的老师则是以中国美术学院为主体的国内资深教授团队。     学习研究主要有两个方面；第一个板块是绘画基础的训练，对素描、色彩、速写等基本功的再提高，夯实基础。第二板块，也是这次培训的核心课程，是探讨绘画形式语言的表达方式，及其艺术表现基本规律的学习和研究。换句话说，是美术老师如何去教学生，一个美术教师除了自己具备厚实的基础，更重要是要体现出如同《师说》里所讲的“传道、授业、解惑”。就是如何向学生灌输美术理念，美术为何物？同时，辅助课程是大量的信息讲座交流，涉及的内容包括素描、色彩、速写等等。     中国美术学院博士生导师吴宪生教授首开讲坛，他以自身几十年对素描艺术与教学研究的探索体会，深入浅出，旁征博引，从技与艺的关系角度切入，讲述了素描造型艺术的规律。他认为，画要存形，并从捕捉形象、结构分析和塑造表现等方面，阐述了素描的根本任务。吴教授说，在绘画过程中把握造型最基本规律的知识尤其重要，最基本的东西往往最容易被忽视。素描不是简单技巧的培养，它是一种提高审美意识的艺术手段，要做到学生审美意识的提高，首先对老师审美意识的判断要求更高。对素描的研究要向世界最高水平看齐，视野要开阔。听了吴教授的讲座，让我更明确了，从事美术考前教育的我们，要去参观画展、浏览画集、欣赏名作，眼界开拓、素养熏陶，养成高雅的审美习惯，提高自身的审美意识和审美品位。其实，提高审美，掌握构成美的形式语言，能够读懂解析大师作品，往往比盲目地画一百张画更有意义。只有这样，我们才能站在较高的位置对学生作业做出更专业更全面更一针见血有效的评析。     国美基础造型部的曹兴军副教授讲授素描课程。在他的课堂上，他始终强调“画好的关键就是如何来看”的问题。我们在教学当中，必需在一开始就严格规范学生，让我们的学生在初学时就养成“如何正确来观察对象”的能力。他认为“在面对写生对象时，首先画好大的块面尤其重要，后面怎么添加，单凭这些基本结构，便可建立形体的基础。”由此可见，狠抓整体又是一张素描作业得到高分的关键。从此次的素描课程安排来看，石膏头像训练在素描中起着相当大的作用，它是稳打绘画基本功的有力武器。在两个半天的人体写生课上，曹兴军老师还就西方席勒、鲁本斯等大师的作品进行剖析，向我们灌输了在人体绘画中的造型意识和表现力。我认为，必要的人体素描临摹还是必需的，有助于速写的理解和表现。     身材高大的徐方教授从形态美学的角度，提升了我们对素描的审美高度。什么叫审美？就是你对美的认识，与对美的追求。一般而言，一个人对美有什么样的认识，便会有什么样的美的追求。在生活里，能从衣食住行中，通过对你的所谓察言观色，还可窥视到，你在审美上，对其认识和追求的高度与深度。审美其实反映着对生活、文化、艺术等的修养。非常难得的是，课后，我们还有幸走进了徐方老师的工作室。徐方老师结合上课的内容，又对其作品的绘画形式语言，进行了一番更为生动的讲解。 中国美院博士生导师吴山明教授，从艺术的大视野，谈到了东西方民族在艺术上的同异性。他认为，从异走向同，东西方艺术在低端是相类的，中间阶段最为丰富多彩，而高端则是相同的。另外，吴山明又举例点评了当下国内艺术名家的成就，认为东方艺术要有自己的判断体系。而在师承关系的学术主张上，他强调，在艺术的道路上，老师不能要求学生和自己一样，“重复是没有出息的。”对于我们高中阶段的学生来讲，首先还是要打下结实的基础，要有过硬的基本功。在此基础上，才能更多的注重学生的艺术表现力，往更高更深的层次发展。      “艺术到底要看什么东西？”中国美术学院油画系副主任孙景钢副教授，为我们做出了精辟的解答，并带来了一场关于“观看的姿态与表现”的讲座。他谈到，对一个学习绘画的人来说，启蒙老师非常重要，因为如何观看，决定了如何表现，基本入门的方式尤其重要。我觉得这一观点值得我们重视。我们新高一的学生，绝大部分是没有绘画基础的。那么，他们学习绘画的第一口奶的优劣就显得尤为重要了。作为启蒙老师的我们，不仅要规范严格的作画习惯及作画态度，而且更要在观察表现上给予正确并且有效的知识结构。讲到绘画的表现时，孙景钢教授强调，“深入”并不是画得细，而是形态多样的和谐统一。面对自然景物会综合价值判断，每个人的经历决定了画形体的态度，做学问更要懂得贯通。整个讲座中，孙景钢通过大量西方名画的幻灯播放，讲解了色彩与形态之间的运动关系，对“艺术史其实就是视觉方式的演变史”的观点进行了阐释。     风趣、幽默、易懂、实用——这是我听完中国美术学院高照教授的授课后的感受。高教授结合艺用解剖知识谈速写，他认为速写课不等于画速写，画好速写需要由内而外的营养。在速写的教学方法上，他提出了五个结合：实践与理论、感性与理性、速写与默写、慢写与快写、着衣与人体。他强调，画好速写，首先要掌握人体的基本概形，对人体结构基本的常识要融会贯通，做到一般规律，特殊运用。 中国美院油画系主任杨参军，从自己过去由传统写实绘画转向具象表现绘画的体会出发，解析了具象表现绘画“无先验的观看、寓意综合、未完成性”的三大特点，并结合自己的作品，谈到了具象表现绘画对写生的理解。他认为，具象表现绘画强调通过写生表达对这个世界的看法，把握感觉和形式，做到一气呵成，表现画面最美的状态。     杭七中特级教师陈可九，围绕“基础美术的教与学”，为我们做了精彩的讲座。陈老师的讲座可以说是最最实在的。从他的讲座中，我感受到，作为一名教师，应该要“会看、会画、会讲、会写”。“会看”：老师要多看，人的视野要开阔。要去看世界顶尖的作品，要看原作。要去看全国美展、看顶尖学校的东西。眼高才能手高。能在他山之石中学会攻玉。从中汲取养料，以滋润自己的技艺。并且要有独立思考的能力，有自由的思想，诚恳的态度。把所看到的东西真正的成为自己的东西才叫“掌握”。只有这样，老师的眼光提高了，学生才能起跑于较高的起跑线，那往后走的道路才能更宽更高。“会画”：手头功夫，我们平时一定要多画，努力提高自己的绘画水平。做到首先要求自己再去要求学生。在提高美术老师专业水平这一块，很多美术学校和培训机构都非常重视。如广东美术学校每年都会组织全体美术教师进行为期一个月的外出专业进修。当然，更多的还是需要我们在平时抓紧毎一分每一秒，多画多交流多学习多提高。“会讲”：口才要好，要有课堂语言。“会写”：书写通顺。至于学生，要“抓准、抓紧、抓实、抓严”。从陈可九老师多年的教学成果来看，关于学生的四抓，真的是一个行之有效的妙方。我想，在我们的教学实践中也可以根据实际情况借鉴下。     安滨教授在“色彩绘画与色彩基础教学”的讲课中，从色彩的绘画方式，从自然界对象认知的技术与方式展开，系统地讲述了色彩教学的目标和任务、要求与要点。课堂上，他着重讲解了色彩感受力与感受方式的训练与培养，以及在风景写生中如何观察并艺术地表现自然风景。从他对色彩的讲解中，我明白了，色彩对突出画面的重点和主体物象起着重要的作用，色调更是直接关系到一幅画的感情、立意等问题。在绘画构图中，讲究色彩的构成，探求色彩的表情，是极为重要的。另外安滨教授还谈到了“色彩的评判标准”。这点对于我们在色彩教学中是相当实用的。当色彩发端于作者心灵的美好状态时，优秀的画面色彩是生命充满活力的充分展现。科学是通过研究自然而获得发展的启示，而艺术则是通过感悟自然而找到的创作灵感。不同的色彩组合可以产生出不同的色彩美感。其中鲜明、和谐和丰富是色彩美感的三种基本内涵，这就是衡量色彩作品优劣的3把尺子。鲜明美——以鲜明的对比色为主的色彩结构可以形成色彩的明朗、艳丽、响亮、刺激、兴奋、多样、灿烂、醒目、浓烈、新鲜、透明等美感。谐美——以调和色为主的色彩结构可以产生深沉、柔和、微妙、含蓄、稳重、沉着、悦目、高雅、朴素、清雅、古朴等美感。法国浪漫主义画家勒尼奥的油画《莎乐美》，画面色彩以黄色调为主，追求和谐，对比色较少，充满贵族和青春的气息。丰富美——各种色彩的微妙变化和合理搭配，产生丰富、厚实、富丽、华贵、耐看等美感。法国象征主义画派莫罗的作品《莎乐美在希律王前跳舞》，同样的题材和暖调子，但画面的细节刻画十分丰富，增强了神秘的气氛。我们在教学中就可以按这三把尺子来评析学生的作业以及讲解剖析名家作品。 章晓明教授讲莫兰迪，其实是整个学习阶段最最高深的讲座。假如没有一定的艺术修养，他的讲座就像天方夜谭。好在我们在之前都做过功课。中国美院近几年的色彩就是推崇莫兰迪。莫兰迪，以其高度个人化的特点脱颖而出。以娴熟的笔触和精妙的色彩阐释了事物的简约美。莫兰迪选择及其有限而简单的生活用具，以杯子、盘子、瓶子、罐子以及普通的生活场景作为自己的创作对象。他的画关注的是一些细小的题材，反映的却是整个宇宙的状态。章晓明教授以“真实中的差异”为题，对意大利画家莫兰迪的作品和艺术成就，进行了深入剖析。讲座中，他通过自己在法国留学期间，拍摄到的莫兰迪作品和画室场景照片，以自己多年来对莫兰迪作品研究的知识积累，从莫兰迪的早期绘画自塞尚与立体主义所得，以及受契里柯的影响，最终成为形而上风景静物大师，创造出静稳坚牢的独特画境的发展脉络，使我们对这位画了一辈子瓶瓶罐罐的艺术大师有了清晰的认识。     每天，大家早出晚归，白天在大自然中“耕耘”，晚上则由蒋跃教授“验收”。他对每一位同学的作品进行逐一点评，点出画面中存在的优缺点，传授解决问题的办法，并拿出自己与我们一道写生的作品，谈风景写生的心得。面对自然景观，如何感受并找到构成画面的形式语言？如何主观处理表现画面？蒋跃谈到：“在风景写生中始终要控制好天、地、物构成的大关系，以及各种不同景物的联系、光线中的冷暖关系。掌握色彩规律，画面上才能形成好看的调子。”     陆琦教授的色彩写生课，以解读作品与现场示范相结合的方式进行，受到了我们的喜爱。他把自己的原作带到课堂，有静物，有风景，从如何练习画小色稿，到构图、画面色彩关系的组织，水粉画的调色技巧，画面冷暖色调的控制以及对高考色彩高分卷的解析，给我们提供了实实在在的教学经验。陆琦教授的最后一堂课，还给了同学们很大的惊喜。他把讲座的课堂，搬到了自己的工作室，从两个方面对我们进行指导。首先，作为艺术家该如何定位，他一边播放幻灯片展示作品，一边例举了自己如何从早期的西藏题材创作“跳出”，找到真正属于自己艺术语言的表达载体。作为一位辅导美术高考的教师，如何教学得法，有的放矢，提高学生的应战能力？比如，在水粉静物画表现技法上。陆琦讲到：画一个苹果或陶罐，能处理好苹果的凹陷和对陶罐口的塑造很重要，是得分点。在画面的整体处理上，要有概括能力。首先，在画面中要有明确的黑白灰关系，重的地方要敢于深进去。然后，在黑白灰里面再分别找出黑白灰。亮面里面找一个暗中亮层次，灰里面也找一个暗中亮层次，依此类推，就是每个层次再细分出三个小层次，画面就丰富了，这就能体现出归纳能力。在应试色彩盛行的今天，我们更要回顾基础，深入的明读基础。因为一切的变化都是源于基础。基础就是本质。色彩三要素就是色彩的本质。     《美术报》为学员与学员，学员与老师之间搭建了一个交流互动的平台，让奋战在美术教育一线的美术老师有更好的机会可以重新审视自己的教学，对自身的美术素养重新整理，并进行更深入的进修和学习，让我们的学生能够真正用画笔画出多彩的生活。     利用晚上的空余时间，我们自发组织了两次教学研讨。交流了各自学校、培训机构的教学理念和教学经验。两次交流下来，我发现所有公办学校的升学率在当地尽管都不错，但是考取清华、央美等高端学校的人数都比较少。我们三所公办学校的老师也特地思考并交流了下。一方面，学生的入学层次确实都是当地最差的，基本上都是为了能够有个大学上，所以很多学生压根不喜欢画画，而且各方面素质都较差。另一方面，一些老师的画画水平也确实没有一些美术培训机构的高。此次进修，最感动我的是，国美培训中心的老师天天都在画画，而且是集中在一起画，那样便于相互学习，取长补短，这一点非常好。再者，培训机构的画画时间相对要饱满，学生从早画到晚，有足够的练习时间。     最后我用潘天寿先生的一句话作为此次学习汇报的结束语：“艺术之高下，终在境界。境界层一步一重天。虽咫尺之隔，往往辛苦一世未必梦见。”虽然培训结束了，但是我将以此次培训作为新的起点，多向大家学习，提高自身专业水平和教学能力！谢谢大家！ 水彩画家蒋跃教授做风景示范画   陆琦教授做色彩静物示范画   吴山明教授讲座